Filmografía sobre Caravaggio

por Inmaculada Vico López

Diversas han sido las adaptaciones cinematográficas sobre la vida de Caravaggio. En ellas encontramos una serie de características que son comunes a todas las adaptaciones cinematográficas, pero también diversas interpretaciones más o menos personales sobre el carácter del artista y sobre ciertos acontecimientos que las hacen muy diferentes.

 Lessandrini, Goffredo. CARAVAGGIO, IL PITTORE MALEDETTO (1941)

 Alessandrini, comprometido con las necesidades del régimen fascista que pretendía revalorizar aquellas figuras italianas transcendentales a nivel mundial, filmó esta película de género histórico-biográfico en 1941.

Caravaggio, il pittore maledetto, es además la primera película que llevó a la pantalla la vida del pintor. Contó con asesores profesionales, como Gustavo Brigante Colonna, que seleccionaron y elaboraron los pasajes más interesantes de la biografía del artista. La historia corrió a cargo de Bruno Valeri.

Para Alessandrini, era muy importante integrar las escenas en un ambiente que fuera caravaggesco a través de la luz, y el color. Para ello contó con la colaboración del notable escenógrafo Salvo D’Angelo, el cual tenía una amplia experiencia en reconstrucciones de tipo histórico y que, según la crítica, fue uno de los mayores aciertos de la película.

 En lo que respecta a los protagonistas, el actor elegido para encarnar al pintor fue Amedeo Nazzari, el cual era muy popular entre el público italiano de aquellos años. En la IX Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia (1941), Amedeo Nazzari recibió el premio al mejor actor precisamente por su interpretación en Caravaggio, el pintor maldito.

 Como el propio título apunta, se  describe  un Caravaggio de carácter  violento , de vida tempestuosa y trágica, pero al mismo tiempo un magistral artísta. Centrandose más en su vida que en el proceso creativo de su obra.

Blasi, Silverio. VITA DI CARAVAGGIO (1967)

En 1967 la Radiotelevisione italiana (RAI) produjo una adaptación cinematográfica de la vida del pintor .

 El actor que interpretó el papel de Michelangelo Merisi fue el polémico e incorformista Gian Maria Volonté. De carácter intensamente escénico Volonté exagera el lado violento y temperamental del pintor, poniendo de manifiesto, con movimientos y gestos inesperados e impulsivos, sentimientos de cólera o de desilusión.

 Nuestra producción televisiva, que actualmente puede consultarse en los archivos de la RAI, está dividida en 3 capítulos que se transmitieron durante el mes de octubre de 1967.

 Los títulos de cabecera muestran al pintor moribundo en la playa del Monte Argentario.

El primero de los episodios se inicia con el periodo romano del artista, omitiendo  las pocas y breves noticias que se tienen de los primeros años de su vida y de su formación en Milán. Reconstruye por lo tanto esta etapa adulta hasta el rechazo de la primera versión del San Mateo y el ángel de la Capilla Contarelli en San Luis de los Franceses.

 La segunda parte de la serie se centra en la edad madura pictórica del pintor, desde 1600 al 1606, tras su consagración oficial después de la inauguración del ciclo de pinturas de San Mateo hasta su fuga de Roma a causa del asesinato de Ranuccio Tomassoni. Aparecen varios de los conflictos del artista con la justicia, muchos de los cuales nos han llegado no sólo a través de las diversas biografías sino también de los textos de los procesos conservados en el Archivo de Estado de Roma

 El tercer y último episodio comprende los años finales de la vida de Caravaggio como fugitivo de la justicia por su supuesto asesinato en Nápoles, Malta y Sicilia. El periodo maltés es el que más se desarrolla.

La película se basa en los datos  que nos han llegado a través de los biógrafos Pietro Bellori y sobre todo de Giovanni Baglione.

 A pesar del marcado carácter didáctico del largometraje, y la meticulosa recreación de algunos de los hechos que se encuentran en las biografías del pintor, sus creadores son conscientes de la imposibilidad de realizar “un trabajo rigurosamente histórico”.

 Aquellas partes o aspectos de la vida de Caravaggio que no aparecen documentadas se reconstruyeron, pero siendo “coherentes con el espíritu del pintor y de la época histórica según las indicaciones de los textos más serios y reputados, históricos y biográfícos”, añadiendo que en cualquier caso se trataba de crear “si no un retrato, al menos un perfil de Caravaggio”.

 Jarman, Derek.CARAVAGGIO (1986)

A diferencia de las otras realizaciones, en las que la vida y el contexto social de Caravaggio inspiraban las obras del artista, aquí el proceso es totalmente inverso, Derek Jarman parte de las obras para “reinventar” la vida del artista y construir así la trama de su película. Este retrato de Caravaggio, mucho más personal, es trazado no en base a los documentos sino a una interpretación libre de sus obras. El mismo Jarman afirmó “La narratividad del film podría haber sido reconstruida a través de las noticias que tenemos de las vidas de Caravaggio, jugando con los trazos del artista maldito, escandaloso, que pinta personajes de la calle (…) Caravaggio el maldito, el asesino. Pero el Caravaggio que a mí me interesaba era aquel de sus cuadros, de su estudio, donde con los cuadros y modelos pasaba su vida. El film es ficción, no es una película histórica y la ficción se basa en una lectura atenta y profunda de sus cuadros”.

 Jarman conocía las biografías del pintor, basándose en las de la Bellori y Baglione pero sin dejar que éstas predominaran sobre sus propias ideas, las cuales aparecen ampliamente desarrolladas en el libro que publica ese mismo año sobre su película: Derek Jarman, Derek Jarman’s Caravaggio, Thames and Hudson, London, 1986.

 Sin embargo, la auténtica ruptura con las anteriores producciones cinematográficas sobre Caravaggio fue lla tensión provocada por la introducción de elementos y detalles anacrónicos. En este sentido se puede afirmar que tan anacrónica es la obra de Jarman como anacrónico fue Caravaggio. En palabras de William Pencak, “Jarman inventa situaciones y personajes y tropieza deliberadamente con anacronismos para demostrar que el tiempo presente siempre influencia la historia pasada”.

 Otro de los rasgos que diferencian la obra de Jarman del resto de realizaciones sobre la vida del pintor es la visión de un Caravaggio homosexual, acorde con algunas interpretaciones contemporáneas. Ésta condición se convierte en el motor que impulsa la trama de la obra, pues se basa en el triángulo amoroso que se establece entre el artista, Ranuccio Tomassoni (Sean Bean) y Lena Antognetti (Tilda Swinton). El resultado es un final trágico, en el que se mezclan “dolor y placer”, elementos que Jarman consideraba fundamentales a la hora de entender la sexualidad.

Como la luz para Jarman era fundamental, en el film aparecen aquellos elementos que explican el proceso de construcción de la luz que Caravaggio usaba para darle a sus cuadros un efecto dramático sin precedentes.

 La estaticidad es un elemento que destaca en la película, puesto que es más propio de una técnica pictórica que cinematográfica.

Predomina el plano general, la visión de conjunto y sólo posteriormente la cámara se acerca a los detalles, nos muestra los rostros y expresiones de manera progresiva a través de planos medios y primeros planos, de manera parecida a la actitud que el espectador adopta a la hora de contemplar un cuadro.

El empleo del color en la película es tan importante como la policromía de un lienzo. El tono que no aparece es el azul, puesto que Caravaggio no lo usó casi nunca en sus cuadros y era el color que para el cineasta representaba el veneno. Por ùltimo, tal y como se observa en la obra de Caravaggio, también en el largometraje los fondos se oscurecen progresivamente a medida que avanzamos.

 Es decir, cuando Derek Jarman no concibió su película desde una perspectiva histórica sino desde el espíritu transgresor y revolucionario del artista.

 Leonetti, Stella. VERNISSAGE! 1607, CARAVAGGIO (2002)

Este cortometraje de 18 minutos reconstruye de forma ficticia un momento no documentado de la vida del pintor durante su primera estancia en Nápoles. En esta ciudad Caravaggio ejercitó una influencia que es vital para muchos de los artistas del periodo.

La directora y escritora de esta pieza imagina la presentación en público, a principios del siglo XVII, del cuadro Las siete obras de misericordia que aún puede contemplarse en el altar mayor de la Iglesia napolitana del Pio Monte de la Misericordia.

Esta comedia gira entorno a una concepción más jocosa del artista y a las múltiples reacciones del público frente a la obra.

Danny Quinn representa a un Caravaggio que rompe con el cliché de artista maldito, para dar una visión más cómica, pero siempre imprevisible, del maestro.

El resto de personajes están construidos con una conciencia que es más propia del presente que del pasado, ironizando incluso sobre algunos de los estereotipos modernos de la vida del protagonista.

Se evidencian ciertos paralelismos con el mundo del arte contemporáneo. Reflexionando sobre el mercado del arte y la percepción de la obra por parte del público destacan las diversas tipologías de sujetos que asisten al vernissage: mecenas, coleccionistas, críticos, o incluso un joven Giovan Battista Caracciolo, que pronto se convertirá en uno de los más fieles seguidores de la pintura de Caravaggio en el ámbito napolitano.

El cortometraje recibió el premio a la mejor fotografía (Pino Sondelli) en el Festival Internacional de Cine Independiente de Elche (2003) y el premio especial en en los Globos de Oro de la Asociación de la prensa extranjera en Italia (2002).

 Martone, Mario. CARAVAGGIO, L’ULTIMO TEMPO (2005) 

 El mediometraje de unos 40 minutos de duración, fue rodado en Nápoles en noviembre de 2004, con motivo de la exposición homónima llevada a cabo en el Museo Nacional de Capodimonte.

 Se trata de una reflexión libre sobre la presencia de Caravaggio en dicha metrópoli, asociando a través de imágenes del presente la Nápoles del siglo XVII con la Nápoles actual.

Por tanto, no es una biografía en el sentido estricto de la palabra, sino más bien una revisitación del alma del pintor en el último año de vida, a través de su obra, haciendo que la Nápoles de ayer se encuentre con la de hoy, fundiendose pasado y presente, pintura y realidad, Caravaggio y Nápoles.

 Los rostros, la fisionomía y la cotidianidad de los diferentes tipos napolitanos contemporaneos se intercalan con los detalles de las últimas obras del maestro realizadas entre Nápoles, Malta y Sicilia. De este modo a los obreros que cargan sus palas con tierra le suceden por similitud las imágenes del Enterramiento de Santa Lucía de la Iglesia de Santa Lucia extra moenia en Siracusa, o la escena de la madre que con su hijo pequeño se nos aparece en su hogar del barrio español enlaza con la Adoración de los pastores del Museo Regional de Mesina.

Así “la cámara de Martone descompone y remonta detalles robados a Caravaggio, a los barrios populares y a las extremas periferias de Nápoles”. El sustrato popular en estas imagenes está tan presente como en las obras del último periodo del maestro. 

Longoni, Angelo. CARAVAGGIO (2007)

Esta coproducción dividida en dos capítulos (200’) realizada para televisión entre Italia, España, Francia y Alemania fue dirigida por Angelo Longoni. Posteriormente se realizó una versión más breve de 135 minutos destinada a la pantalla grande.

Dentro del equipo técnico destaca la figura del director de fotografía Vittorio Storaro, que recreó cuidadosamente la atmósfera de los cuadros de Caravaggio en las diversas escenas del film.

 El Caravaggio interpretado responde a la concepción del pintor como un hombre exaltado e impetuoso. Para el director, el personaje “está en constante contraposición, es ambivalente: tiene una profunda fe en Dios, una unión fortísima con el cristianismo de los orígenes pero contemporáneamente rechaza los dogmas de la pintura de la iglesia, es creyente y gran pecador (…). Por lo tanto siempre blanco y negro”. Longoni manifiesta de este modo su absoluta fascinación por su dualismo psicológico.

Sin embargo en esta nueva versión se pone de manifiesto y hasta se exagera la heterosexualidad de Caravaggio.

Andrea Purgatori, guionista con James H. Carrington, declaraba:

“Hemos trabajado mucho en el proyecto, para descubrir como tenía que ser la historia que contábamos (…). Cada uno de nosotros se había apropiado de una parte de la vida de Caravaggio y la defendía. Habíamos escrito 10 pruebas del guión, estudiando todo el material recuperable, ayudados por estudiosos como Maurizio Marini y Claudio Strinati (…). Hemos intentado contar la historia no de un rebelde, sino de un hombre que consideraba la libertad como el principio fundamental de su vida. “ 

La versión televisiva, es la más interesante de las dos realizadas, a nivel de hechos biográficos. Por primera vez se inicia la vida del pintor, y se detiene, en la infancia del artista. Se muestra su relación y aprendizaje con Simone Peterzano (Francesc Orella), la muerte de su madre y se crea un primer vínculo con la Marquesa Costanza Colonna (Elena Sofia Ricci). Esta última aparece como su protectora en diversas ocasiones a lo largo de la historia, hasta el punto de que una vez muerto es la única persona que lo alcanza en la playa de Porto d’Ercole (hecho en cualquier caso no documentado).

En Roma, además de los acontecimientos más famosos representados en las anteriores adaptaciones, se muestra la decapitación pública de Beatrice Cenci (1599), que según interpretaciones modernas influenció profundamente el ánimo del artista a la hora de crear obras como Judith y Holofernes (Galleria Nazionale d’Arte Antica – Palazzo Barberini).

 Fuentes,

Luces y sombras: adaptaciones cinematográficas de la vida de caravaggio ,Felix Monguilot Benzal

 

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Una respuesta a Filmografía sobre Caravaggio

  1. DAVID EDUARDO VAZQUEZ SANCHEZ dijo:

    donde puedo bajar estas peliculas

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